Los "curadores" del diseño gráfico conectan la cultura con la próxima generación

Kitazawa visitó posteriormente el estudio de Rodchenko, aún en pie, en Moscú, Rusia, y negoció directamente con Lavrentyev. Seleccionó aproximadamente 150 obras gráficas y fotográficas de la colección personal de Rodchenko y organizó la exposición "Rodchenko: Un cometa, un favorito de la vanguardia rusa" en ggg en marzo de 2012. Kitazawa recuerda: "La vanguardia rusa fue un movimiento artístico experimental que, junto con la Bauhaus alemana, se ha labrado un nombre en la historia del diseño del siglo XX. Fue un milagro que pudiéramos realizar una exposición dedicada a Rodchenko, cuya obra era codiciada por profesionales del arte y el diseño de todo el mundo". Esto fue un testimonio del reconocimiento mundial que ggg ya había alcanzado en aquel momento.

ggg fue fundada por DNP en 1986 como una galería única especializada en diseño gráfico (sus operaciones se transfirieron posteriormente a la Fundación DNP para la Promoción Cultural). Kitazawa se incorporó a la galería en 1990. El primer curador de ggg fue Ikko Tanaka, diseñador gráfico de renombre mundial y quien propuso la fundación de la galería. Bajo su liderazgo, quien valoraba los encuentros e intercambios entre personas de diversos géneros, se planificaron y celebraron exposiciones aproximadamente una vez al mes. Tras el fallecimiento de Tanaka en 2002, las exposiciones han continuado al mismo ritmo desde que fue reemplazado por Kazumasa Nagai ^*2. La exposición número 386 de ggg, "Saul Steinberg: Un intento cínico de transformar el mundo real", que comenzó en diciembre de 2021, cumple 386 años.

Creo que una galería es un conducto que conecta a empresas y ciudadanos. Si la curaduría es firme y el espacio tiene una atmósfera apacible, la brisa entrará por la ventana. Kitazawa afirma que las palabras de Tanaka le hicieron comprender aún más la importancia de dirigir una galería. Ha organizado exposiciones con maestros japoneses e internacionales que han marcado la historia del diseño del siglo XX, como Bruno Munari, Paul Rand, Henryk Tomaszewski, Yusaku Kamekura, Yoshio Hayakawa y Shigeo Fukuda, así como con diseñadores gráficos emergentes. Al reunirse y hablar directamente con los artistas, siempre le han impresionado sus altas aspiraciones como creadores.

En retrospectiva, los avances en la tecnología de impresión también son el resultado de este tipo de competencia amistosa entre diseñadores gráficos y directores de impresión, que son el equivalente a los impresores.
Kitazawa considera que la experiencia acumulada de superar obstáculos uno a uno junto con los artistas ha dado como resultado exposiciones que conmueven el alma de los visitantes.

Sin embargo, Kitazawa cree que el futuro del diseño gráfico no es necesariamente brillante, en parte debido al cambio de los métodos analógicos que se han establecido en papel junto con las técnicas de impresión como la litografía y la serigrafía a los métodos digitales.
En mi opinión, el auge del diseño gráfico japonés en el arte del cartel se produjo en la década de 1980, cuando atrajo la atención mundial. Luego, en la década de 1990, la burbuja estalló, marcando el comienzo de un período conocido como las "dos décadas perdidas". Durante esta época, la ola de digitalización se intensificó, y creo que la cultura de los medios impresos, como carteles y revistas, quedó relegada. En la era analógica, los diseñadores solían crear sus propios diseños, incluyendo letras y formas, para adaptarse a un tema, a pesar de tener opciones limitadas. En la era digital, la gama de opciones se ha ampliado enormemente, pero también es fácil elegir entre letras y formas preexistentes integradas en los ordenadores. Una vez que se elige, los diseños tienden a adoptar tendencias similares. En particular, con los carteles impresos, creo que, a menos que los métodos digitales sean más innovadores, es difícil expresar la individualidad en los diseños. Para crear obras inéditas, ya sean digitales o analógicas, necesitamos profundizar en la definición misma del diseño y en lo que intentamos expresar. Por supuesto, incluso en estos tiempos, está surgiendo una nueva generación que continúa el legado del pasado y es pionera en nuevas formas de expresión.

Fue Eiko Ishioka, quien residió en Nueva York hasta su fallecimiento en 2012 y ganó un Premio de la Academia por Diseño de Vestuario y un Premio Grammy, quien convenció a Kitazawa de la importancia de crear algo inédito. ggg publica la "Serie Mundial de Diseño Gráfico ggg Books" ^*3, centrada en diseñadores gráficos y directores de arte de renombre. Ambas se conocieron en el año 2000, cuando Kitazawa pasó más de seis meses negociando con Ishioka para incluirla en uno de los libros. Tras la publicación del libro, pudo presenciar su creación durante una breve visita a Japón. Durante este tiempo, Kitazawa fue testigo del enfoque perfeccionista de Ishioka hacia su trabajo, poniendo todo su corazón y alma en cada doble página.
Creó una nueva imagen de la mujer en una amplia gama de obras, incluyendo campañas para Shiseido y Parco, películas de Francis Ford Coppola, carteles para la Exposición Universal, arte gráfico y grabados. Con ideas que cautivaron a las masas y conmovieron sus corazones, se puede decir que impulsó numerosas innovaciones a través de representaciones teatrales, vestuario, gráficos y más.

Con la sensación de crisis que genera el declive del espíritu desafiante de "crear algo nunca antes visto" en el mundo del diseño gráfico, Kitazawa ve el valor de reinterpretar el legado de los diseñadores gráficos del pasado ante los jóvenes. Con este contexto de crisis, Kitazawa ideó la exposición "Ishioka Eiko: ¿Puede sobrevivir el diseño gráfico?", que se celebró de diciembre de 2020 a marzo de 2021 y contó con el entusiasmo de todos los participantes, registrando el mayor número de visitantes en ggg, a pesar de la pandemia de COVID-19.

Además de la filosofía Never Seen Before que aprendió de Eiko Ishioka, Kitazawa da la mayor importancia a los siguientes puntos a la hora de curar: cómo interpretar la época actual, la solidez y un espíritu experimental, crítico y humorístico.

Respecto a "cómo interpretar la era actual", Kitazawa afirmó: "Para responder a la pregunta de por qué presento esta exposición ahora, necesito sentir curiosidad por todo, incluyendo el diseño, la historia del arte, el diseño espacial y la teoría visual, así como la antropología, la sociología, la economía, los medios de comunicación y la comunicación, para poder responder de inmediato a cualquier situación". Respecto a la "salud", dijo: "El diseño gráfico revitaliza fundamentalmente al espectador, y creo que puede contribuir, aunque sea mínimamente, a resolver los aspectos patológicos de la sociedad, que se enfrenta a diversos desafíos". Respecto al "espíritu experimental, el espíritu crítico y el humor", citó ejemplos como el vigoroso espíritu experimental de Robert Rodchenko, quien surgió como un cometa durante la Revolución rusa de 1917, y el cartelista francés Raymond Savignac, quien con su humor y espíritu reconfortó a los parisinos exhaustos por la Segunda Guerra Mundial, afirmando: "Quiero crear un espacio para promover ese espíritu".

El curador de ggg, Kazumasa Nagai, comentó sobre el trabajo de Kitazawa: «La propuesta del proyecto, que considera la situación actual y nomina a diseñadores gráficos de todo el mundo, incluyendo a aquellos que no conozco, como candidatos para la exposición, está muy bien hecha. Al realizar esta exposición ahora, la propuesta del proyecto busca inspirar el presente y conectar con el futuro».

Kitazawa, quien también es experto en diseño gráfico, habló de su misión como curador: «En definitiva, comisariar se trata de comunicar y compartir tus emociones con mucha gente, de 'compartir tus emociones'. Ha habido muchas ocasiones en las que no he podido realizar la exposición que había imaginado debido a mi falta de capacidad, pero me gustaría usar el medio de una exposición para transmitir a la próxima generación la maravilla del diseño y el arte gráfico, que realmente pueden deleitar a las personas, inspirarlas e incluso cambiar su perspectiva de la vida».

• Exposiciones especiales 299, 307, 368, 381 y 384. Fotografía de Mitsumasa Fujitsuka.